Tema 5, Obra Rape scene

Esta obra recibe el nombre de “Rape scene” y fue realizada por Ana Mendieta en 1973 en la universidad con el objetivo de denunciar una violación. La autora de esta obra utilizó el poder expresivo del cuerpo y de la sangre para hacer más real la situación que se pretendía denunciar. Se puede ver como en la foto Ana Mendieta buscó un lugar oscuro para hacer aún más real la situación y así provocar un mayor impacto en el público que viera la representación.

Esta imagen provoca en mí un sentimiento de angustia y miedo, porque tengo muchas mujeres queridas en mi vida y sé del peligro que corren, porque desde luego hay gente que se dedica a causar daño a otras personas pensando que tampoco es para tanto. Para mí estos actos no tienen cabida en nuestro mundo y estoy totalmente de acuerdo con que se denuncien este tipo de actuaciones, así esta obra me parece muy original a la par que conmovedora e impactante.

Como acabo de decir esta imagen además de provocar en mi angustia y miedo, me ha impactado mucho ya que ver una mujer así, aunque en la imagen sea una simulación. Además me hace sentir triste y decepcionado por la sociedad en la que vivimos hoy en día, ya que a pesar de que esta obra fue realizada en 1973, las violaciones siguen siendo un problema de actualidad.

Tema 5, El Guernica

Este cuadro es el “Guernica” y fue pintado por Pablo Picasso en junio de 1937. Representa el momento en el que la ciudad de Guernica fue bombardeada por los alemanes con el objetivo de probar sus nuevas armas para la segunda Guerra Mundial. En el cuadro se pueden ver los cuerpos y rostros de numerosas personas que gritan despavoridas, un niño y tres animales, un caballo, un toro y una paloma. La paloma fue pintada en este cuadro con el objetivo de criticar a la guerra, ya que la paloma es el símbolo de la paz. Además como se puede observar en la imagen es un cuadro en el que se utilizan únicamente colores negros, blancos y grises con el objetivo de dar al cuadro también un tono apagado y de esa manera criticar la guerra de nuevo.  

Las personas y animales que aparecen en el cuadro lo hacen de manera abstracta, lo cual representa una estrategia que utilizaban los pintores para representar las ideas que ellos tenían sobre algo, y no lo que realmente era.

A mí este cuadro me despierta una emoción de tristeza por ver como una ciudad era arrasada por un ataque militar, matando a un gran número de personas inocentes que no tenían por qué morir. Además sirve para darnos cuenta de la crueldad que antes tenían los grandes mandatarios, quienes eran capaces de hacer cualquier cosa por aumentar su poder en el mundo, incluso matar a cientos de personas solamente para realizar una prueba. Lo que bajo mi punto de vista es más triste en esta historia, es que fue Franco, dictador que mandaba en España en esa época, el que dio permiso a los alemanes para que bombardearan esa ciudad.

Tema 4, cuadro Las 3 edades del hombre

Este cuadro es otra variante del cuadro anterior, se llama “Las tres edades del hombre” y fue pintado por Tiziano. Este cuadro representa 3 de las etapas de la vida de un ser humano pero, al contrario que el anterior, la primera etapa dibujada es en torno a la adolescencia y no desde el nacimiento.

Además compara al hombre en cada etapa de la vida con un animal. En la primera etapa que es la adolescencia, Tiziano relaciona al hombre con el perro, ya que en esta etapa de la vida es cuando menos consciencia tiene de la repercusión que pueden tener sus actos y cuando menos conocimiento tiene sobre todo en general. La segunda etapa es cuando el hombre ya se encuentra en una edad adulta y está relacionado con el león. Esta relación la realiza el autor de la obra porque es a esta edad cuando el hombre normalmente tiene una familia, y antes el hombre era el que mandaba muy por encima de la mujer y más aún de los hijos, y es por esto que lo relaciona, porque en el reino animal el león es el rey. Por último la etapa final es la vejez, en la que compara al hombre con un lobo, ya que el lobo tiene muchos conocimientos sobre todo en general, debido a que ha vivido todas las situaciones, tanto fáciles como difíciles, que puede vivir una persona a lo largo de una vida, y entonces tiene unos conocimientos mayores sobre cómo reaccionar ante determinadas situaciones y cómo actuar en los diferentes ámbitos cotidianos.

Tema 4, cuadro Las 3 edades del hobre y la muerte

Este cuadro fue pintado por Hans Baldung Grien y fue titulado como “Las 3 edades del hombre y la muerte”. Se pueden observar 3 figuras humanas además de la muerte, la cual también se representa como una figura humana, aún sin saber cuál es su forma verdadera si es que la tiene. La muerte además sujeta en sus manos un reloj de arena que representa el tiempo de vida, en este reloj lógicamente, el tiempo se ha acabado. Además la muerte sujeta con la mano izquierda una barra roja que también la sujeta el bebé, por lo que podemos intuir que la muerte se encuentra unida a cualquier persona desde su nacimiento.

Las otras 3 figuras humanas representan cada una de las etapas de la vida de un ser humano según este pintor, así se puede ver como la etapa más temprana es aquella en la que es un bebé, después la segunda figura representa a la edad adulta ya con forma de mujer y, la última figura humana que aparece en la imagen representa la vejez, la etapa en la que ya el tiempo se está agotando, y la representa con un pelo canoso, pechos caídos y ya se le comienzan a notar los huesos en la piel producto de la degradación.

Este cuadro despierta en mí un sentimiento de extrañez ya que el ver a la muerte dibujada como una persona normal, me ha dejado bastante impactado porque como no sabemos si la muerte es realmente una figura, y verla así me ha hecho sentir incluso miedo.

Tema 3, cuadro Monje a la orilla del mar

Este cuadro fue pintado por Caspar David Friedrich en 1808 y recibe el nombre de “Monje a la orilla del mar”. Se puede ver como este cuadro fue pintado con colores apagados como son el negro, gris, azul grisáceo… La zona gris de abajo del cuadro representa las rocas que están antes de llegar al agua del mar y, sobre ellas, está un monje vestido de negro mirando al mar. Podemos ver como parece que el día antes era bueno y que ahora poco a poco se está oscureciendo el cielo, pasando a ser un día más oscuro. Esto bajo mi punto de vista representa la inmensidad del océano y lo poca cosa que somos en comparación con el resto de cosas del mundo.

En mí despierta un sentimiento a parte del de tristeza, y es el temor o el miedo que puede sentir ese monje. Que el cielo azul se esté volviendo negro puede ser que el monje antes vería la vida de una manera alegre, positiva y con ganas de vivirla y, que tras un acontecimiento ocurrido en su vida, pase a verla de otra manera totalmente diferente, es decir, que no tenga ganas de vivirla, vea todo de una manera negativa, que se piense que todo lo malo le sucede a él… Además interpreto esta imagen como que él, al perder las ganas de vivir, se acerca al borde de las rocas para tirarse al mar y así acabar con su vida, ya que para él no es una vida que merezca la pena seguir viviendo.

Tema 3, cuadro Vacas

Este cuadro fue pintado por Franc Marc en 1912 y recibe el nombre de “Vaca”. En el cuadro se pueden ver 3 vacas en diferentes posiciones y todas ellas de diferentes colores, los cuales sirven para indicar los distintos tipos de vaca que se muestran en la imagen. La vaca principal aparece de amarillo, u poco más hacia atrás aparece otra de color rojo, y al fondo de la imagen una tercera vaca de color verde y de espaldas hacia la persona que lo pintó. Podemos observar que los principales protagonistas del cuadro son los colores, ya que expresan y dan significado a toda la imagen. Son unas vacas que se encuentran en el campo o en el prado en el que viven libremente y, se puede ver que además pintó como si fuera un día soleado, ya que en el centro de la imagen se puede ver una figura esférica que bajo mi punto de vista representa el Sol. También podemos ver a la izquierda de la imagen un árbol y debajo de la vaca amarilla la hierba que forma el prado. Además podemos ver que los colores de la imagen no son colores apagados, ya que son colores como el verde, el rojo y el amarillo, que resaltan sobre un fondo oscuro con el objetivo de ser aún más protagonistas.

Este cuadro despierta en mí el sentimiento de libertad ya que se puede ver como las vacas se están desplazando como les viene en gana. Además al ser un día soleado, me lleva al pensamiento optimista y alegre, porque un día de luz y color a mí me lleva a estar más alegre y menos preocupado por las cosas que me rodean. 

Tema 2, cuadro Persona en el suelo

Esta pintura representa bajo mi punto de vista a una persona tumbada en el suelo formando una bola, cómo si se estuviera escondiendo de alguien o protegiéndose de cualquier mal que se le pudiera venir encima. Está pintada en colores blancos, negros y grises, lo que para mí refleja una imagen bastante apagada y triste. Además podemos observar como en el cuerpo de la persona hay dibujados dos símbolos, el símbolo + y el símbolo -. Bajo mi punto de vista, estos símbolos representan el optimismo y el pesimismo respectivamente. El optimismo que podemos tener ante una situación adversa en la que nos sintamos prisioneros o acorralados, puede estar orientado hacia la salvación de esta situación. Y el pesimismo, es pensar que todo va a seguir siendo igual de malo y que nunca vas a poder salir de esa situación de agobio o angustia en la que no te sientas cómodo.

Este cuadro me despierta el sentimiento de tristeza porque se ve a una persona que está tirada en el suelo, y por la posición en la que se encuentra parece triste y con bastante miedo y, si una persona tiene miedo, dudo que pueda llegar a ser feliz. Además los colores ayudan a despertar ese sentimiento en mí. Otro sentimiento que me despierta es el de ser prisionero, ya que la posición en la que se encuentra muestra que alguien está haciéndole daño o con un dominio sobre la persona, algo que bajo ningún concepto debe ser aceptado por cualquier ser humano. Esta imagen me incita al pesimismo porque me hace ver ciertas cosas que suceden en la realidad, que hay personas que realmente viven en esa situación y nadie se preocupa de intentar solucionarlo.

Tema 2, cuadro Ala de loro caído

Este cuadro lo traté en el tema 1 cuando hablábamos de que los cuadros tenían que asemejarse con la realidad. En cierta medida este cuadro se asemeja con la realidad ya que la estructura del ala se corresponde a la de un ave real, pero en este caso los colores y la posición de la imagen son distintos. Esto viene dado porque la abstracción le proporciona al artista libertad para dibujar y pintar sus cuadros, y para utilizar los colores que desee. En este cuadro la posición del ala es hacia abajo y los colores son más cálidos y, pueden representar una situación más oscura.

Al contrario de los sentimientos que me hacía sentir el cuadro en el tema 1, esta pintura me despierta unos sentimientos muy opuestos. El primer sentimiento que he sentido viendo esta imagen ha sido de tristeza, ya que los colores de este cuadro son colores apagados o incluso podríamos decir que en cierta medida son oscuros. Otro motivo por el que puedo haber tenido este sentimiento de tristeza es porque a mí, me recuerda a la muerte, ya que la posición en la que se encuentra representado el ala, parece como si el ave estuviera cayendo al vacío. La muerte me provoca tristeza porque, así como algunas personas ven la muerte como una liberación y una meta a alcanzar, para mí la muerte es algo negativo que significa el final de todo.

Tema 1, cuadro Prado en familia

Este cuadro también representa claramente la realidad, ya que podemos observar a una familia pasando un día tranquilo de su vida, recogiendo flores en el campo. Además podemos ver que los colores y lo componentes también se corresponden con bastante acierto a los que podemos ver en cualquier campo de la realidad por lo que podemos decir que, si pensamos como los pintores de aquella época, éste sería un trabajo bien realizado.

Uno de los sentimientos que me ha provocado ha sido la emoción. Este sentimiento lo he sentido bastante fuerte porque me ha recordado a tiempos pasados, cuando iba con mi familia una tarde de domingo al Montero al campo a pasear y, al hacerme recordar no he podido evitar sacar una sonrisa por lo que también me ha despertado cierto sentimiento de alegría y de nostalgia por los tiempos pasados. También me hace sentir la sensación de libertad ya que en el campo, al aire libre, no tienes ningún tipo de preocupación, la relajación es total, y la naturaleza en este sentido te lo da todo, ya que te ayuda a desconectar del mundo que vives en tu día a día y, al mismo tiempo, te hace una persona mucho más alegre.

Tema 1, cuadro Ala de loro

Este cuadro fue pintado por Alberto Durero en 1512 y representa un ala de un ave que bajo mi punto de vista puede un ser un loro. Claramente podemos observar que se asemeja mucho a la realidad, ya que para los pintores de esa época, cuanto más se parecía la pintura a la realidad, mejor era el cuadro. Esto quiere decir que el realismo estaba valorado por encima de otras vertientes.

A mí este cuadro me despierta distintas emociones como libertad, alegría, despreocupación… Me despierta libertad porque para mí las aves son animales libres que normalmente viven en el mundo exterior, y se mueven con total libertad sin que nada ni nadie les moleste. Me despierta alegría por el hecho de que para mí tener libertad, hace al mismo tiempo que te sientas más feliz, porque puedes hacer lo que te apetezca sin que ninguna otra persona se oponga a eso. Y, por último, el sentimiento de despreocupación lo siento porque al ser libre, las cosas que tengas que hacer las realizarás cuando puedas y te parezca necesario, es decir, no tienes unos horarios marcados que te ocupen tu tiempo y, por lo tanto, si tienes algún deber que realizar, lo realizarás a su debido tiempo y pudiéndole dedicar el tiempo que sea necesario.

Análisis formal Vasily Kandinsky

1.Valores técnicos

·Se trata de un lienzo llamado “Composition VII”.

·Se observa los colores delimitados unos de otros, predominan las líneas rectas, a través de ellas se van definiendo los objetos.

2.Color

·Utiliza colores complementarios a través de la combinación amarillo, azul ,naranja, verde y violeta.

·Es un cuadro cuya brillantez no es lo más importante ya que la intensidad de los colores de esta obra es lo que le da la fuerza.

·Vasily Kandinsky busca la profundidad a través de utilizar en el centro colores fríos como son verdes y azules pero en su periferia utiliza colores cálidos que son colores que tienden a aproximarse.

·La distribución de los contrastes entre colores primarios y complementarios.

3.Representación

·El volumen se representa mediante la distribución de los colores, objetos de color cálidos sobre fondo frío.

·Perspectiva:

      -Negación de la perspectiva. Los círculos dan la perspectiva.

·Está dividido por líneas horizontales y verticales, esta obra las utiliza para diferenciar el centro con dos líneas verticales y una horizontal.

·Predominan figuras geométricas tanto en el exterior como en el interior. En el exterior se observan circunferencias y en el interior figuras como cuadros y rectángulos.

·No existe relación alguna entre tamaño/formas/color entre unas y otras.

·Tensión:

     -Punto de fuga en la parte izquierda a través de dos círculos de colores vivos.

·Movimiento:

     -Por su ritmo y su expresión es repetición.